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Paseando por Granada- Alejandro Gorafe.

Paseando por el centro de Granada descubrí la exposición de las curiosas obras de Alejandro Gorafe en la sala Ruiz Linares.

Gorafe acostumbrado a trabajar con materiales reciclados, trabajando con viejos transformadores de luz, que "quedaron en desuso cuando todo el mundo la cambió a 220 voltios". Los transformadores acabaron en la chatarrería y el artista les quita ahora la bobina de cobre de su interior para manipularlos y convertirlos en esculturas: "Se podría decir que les arranco el corazón, ya que al fin y al cabo era por ahí por donde se conducía la vida, su energía". Desmonta la estructura de hierro y utiliza el esqueleto para volver a esculpirla. "Todos sabemos lo que es un transformador, lo que lleva en su interior, pero expuesto de esta forma es irreconocible". 

Sus obras hacen un homenaje a la Revolución Industrial "y toda la belleza de esos artilugios que movieron el mundo en su época". Hoy en día, cuenta el artista, "todo es muy digital, pero antes estábamos rodeados de palancas, poleas y ruedas"

El futurismo y el arte cinético se mezclan en estas 19 esculturas que, quietas, parecen moverse sin embargo cuando el espectador las mira. "Generan un movimiento óptico" del mismo tipo que una película. Son obras secuenciales que se superponen unas con otras. Aunque forman parte de una colección de setenta piezas, esta serie que expone en la sala del Anticuario Ruiz Linares está cubierta de hierro oxidado. 

Me encano que específicamente en dos esculturas quiso transmitir el dinamismo de la implosión y la explosión con el movimiento de los hierros.  La muestra sugiere una estética parecida a la de las vanguardias rusas de principios de siglo.

La verdad que tanto como la sala como el anticuario es un espacio mágico. Me ha gustado mucho la visita casual.

Vang Gogh- El arte es el hombre añadido a la naturaleza.

En mi viaje a Holanda, (Amsterdam) no puedo faltar la visita al museo Van Gogh. La verdad que me gusto mucho el museo, estaba muy bien documentado con las cartas a su hermano Theo y la trágica vida de Van Gogt.

Estaba dividido por salas según las etapas de Van Gogh, sin duda la que más me gusto fue la última, la etapa de Auvrs-sur- Oise 1990. Vang Gogt estaba ingresado en una clínica de forma voluntaria, una clínica psiquiátrica en Saint- Rémy en una ciudad cerca de Arles. Quiso abandonar la clínica así que se traslado a un pueblo de artistas cerca de Paris, Auvrs-sur- Oise.

Todas las obras que pertenecen a esta etapa son de las últimas realizadas en el mes de julio de 1890.

En estas fechas pasa por serias dificultades, tanto él como su hermano Théo.

Representa con los cuervos el reflejo de los malos augurios, y con esos tres caminos, con unas pinceladas rojizas, limitados por unas líneas en colores verdes que hacen las veces de hierba y maleza. El cielo oscuro y revuelto indica una sensación de tristeza, oscuridad..., no hay por ningún lado ninguna nota alegre.

                         

Vincent pintó este cuadro después de romper las relaciones que le unían con su amigo el Doctor Gachet, que le había tratado en los últimos tiempos. Su hermano también estaba pasando por series dificultades profesionales y su cuñada y su sobrino Vincent, se encontraban gravemente enfermos.

La acumulación de problemas y su ya estado de salud precario quizás fueron a causa de su "huida hacia adelante"... En la tarde del 27 de Julio, Vincent salió al campo y se disparó un tiro en el pecho con una pistola que le causó la muerte al cabo de dos días. Su hermano Théo, a quien escribió numerosas cartas y  a lo largo de su vida, estuvo a su lado en el momento en que cerró los ojos para siempre. Van Gogh supo poner de manifiesto sus sentimientos con el color como ningún otro pintor y se sirvió de los tonos como vehículo de expresión.

Si tenéis ocasión de ir a Amsterdam no dudéis en visitar este museo, no faltéis, merece la pena pasearse entre las últimas y primeras  obras de Van Gogh mientras puedes leer trocitos de sus últimas cartas relacionados con las obras que tienes delante. Me fascino conocer su historia y relacionarla con su obra, me facilita una “lectura de su obra”

En tan solo 10 años Van Gogh realizó unas 910 pinturas y 1100 dibujos (1880-90).

                           

                           

                                    

                                 

                                               

                                        

                                    

Descubrí a Francis Picabia

Nació en París, el 22 de enero, de 1879 de padre cubano nacionalizado en Francia.
Estudió en la École des Beaux-Arts y en la École des Arts Décoratifs de París y tras recibir la influencia del impresionismo y del fauvismo, especialmente de Camille Pissarro y Alfred Sisley , practicó todos los estilos de la vanguardia de su época: el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el figurativismo el surrealismo y el arte abstracto, el dibujo y el collage. Entre 1909 y 1911 se vinculó al cubismo, siendo miembro del Grupo de Puteaux, en el que hizo amistad con los Hermanos Duchamp.
En 1913, viaja a Nueva York para asistir a la exposición “The Internacional Exhibition of Modern Art”, que pretendía mostrar al pueblo estadounidense las vanguardias europeas; contacta con el famoso fotógrafo Alfred Stieglitz que había introducido de forma tímida la obra vanguardista europea. También entro en contacto con los pintores dadaistas americanos.
En 1916 publica en Barcelona, ciudad en la que residió dos años, “291″, una revista de dadaismo, en la que tiene como colaboradores a Apollinaire, Marcel Duchamp, Tristan Tzara, Man Ray y Jean Cocteau.
Sus obras posteriores, son más futuristas, como “El apuro”, actualmente en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, que junto a una serie de obras se pueden calificar como “transposiciones abstractas de experiencias íntimas”.
A partir de 1924, vuelve al figurativismo, con obras de influencia surrealista.
Murió el 30 de noviembre de 1953

"Dada nos acusa de amarlo todo por esnobismo y con tal de que cueste caro."

Tamara de Lempicka

Diseñadora hermosa, seductora, avasalladora, excéntrica, con un gran talento, elegante, mundana, sofisticada, depresiva, anticomunista... se convirtió en el fascinante símbolo de toda una época, sus fiestas acuñaron ese tópico. 

Formándose al lado de Maurice Denis , André Lothe (de formación cubista) y Fernand Leger. Desarrolla un estilo enigmático y personal, dicen, adscrito al Art Decó aunque técnicamente en pintura. 

 Deslumbrando con la deliberada sensualidad de su arte, se creó la leyenda de que antes de pintarlos se acostaba con los modelos, en su pintura suele aparecer vestidos y desnudos con alguna ligera modificación, peinado, color del pelo pero repitiendo el perfil. 

Maurice Denis

 André Lothe

Fernand Leger

Su estilo de trazo grueso, fondo plano,..dibuja la portada de la revista alemana de moda "Die Dame"... es, utilizado masivamente en cartelería por los nazis,  (y no solo por los nazis)..., Quedando relegada de las enciclopedias por no ser políticamente correcta, sus pinturas fueron clasificadas  de porno blando.

                                

                                         

Arthur Danto y el fin del arte

Las teorías de de Danto con apuntes Hegelianos es una herramienta esencial para entender mejor lo que esta sucediendo con el arte contemporáneo. La teoría de Danto está basada en una supuesta muerte del arte, trata de la muerte de la producción artística de la segunda mitad del siglo XX. No existió una sola dirección sino un pluralismo radical. Danto apunta a que el carácter histórico del concepto de arte haría posible que se diese una era después del fin del arte. No se trataría de una “muerte del arte” sino de un fin del arte, es decir, el fin del arte no significaría que no se podría seguir produciendo más arte (su “muerte”) sino que cualquier arte que surgiera debería crearse sin el beneficio de fortalecer ningún tipo de narrativa en la que pudiera ser considerado como su etapa siguiente. Síntomas evidentes de este fin del arte serían la pérdida de fe en una gran narrativa que determine el modo en que las cosas deben ser vistas. A juicio de Danto, estamos en una época posthistórica, las grandes narrativas ya no son posibles porque el concepto mismo de historia en el que arte se movió ha desaparecido del mundo del arte. El arte históricamente construido ha alcanzado el final de ese línea de desarrollo y ha pasado a moverse en un plano de conciencia diferente. Danto señala que ya no hay un plano diferente para distinguir realidades artísticas ni esas realidades permanecen distantes entre sí. Ello se debe a que la percepción básica del espíritu contemporáneo se formó sobre el principio de un museo en donde todo arte tiene su propia lugar, donde no hay ningún criterio a priori acerca de cómo el arte deba verse y donde no hay una narrativa a la que los contenidos del museo deban ajustarse.

• Sintomas:

-          Los críticos: no ha sucedido nada relevante en los últimos 30 años.

-         Perdida de la fe en una gran narrativa que determinara el modo en que las cosas deben ser vistas.

La manera de concebir el arte → adherirse a una visión de desarrollo progresivo de la historia.

El arte del pasado este disponible para el uso que los artistas le quieran dar ( no es de exaltar que el paradigma de lo contemporáneo es el collage).

“el museo es causa, efecto  y encarnación de las actitudes y practicas que definen el momento poshistórico del arte”

En la teoría del fin del arte, de Danto se interpreta el final de una etapa y la transición a otra nueva etapa. Al principio, el arte no era arte en sí hasta que no se le bautizo como tal, todo lo anterior fue el paso hacía lo que después sería el arte.

Las consecuencias que extrae Danto de su diagnóstico exceden el ámbito estético llegando incluso a señalar: "en cierto sentido, la vida comienza realmente cuando la historia llega a su fin".  Las obras de arte son  “símbolos encarnados”, maneras de expresar ideas, deseos, temores o críticas.

Danto estuvo convencido de que a mediados de los 60 se había llegado al final de lo que hasta entonces se había considerado arte. Aunque no todos los teóricos de arte lo comparten. Para el americano Donald Kuspit, por ejemplo, que 40 años después escribió también El fin del arte (2004), vivimos en una época superficial y pasiva, resultado de la disolución del arte en la vida y, por tanto, en la alienación, el espectáculo y el mercado. Frente a versiones pesimistas como la de Kuspit o a la defensa de un arte siempre negativo, irónico o en permanente alerta, Danto defiende las posibilidades críticas y emancipadoras del arte contemporáneo: una obra de arte crítica y una crítica justificada de la obra.

" El arte es hoy un producto de mercado que permite a muchas personas mantener cierta relación con la idea espiritual de belleza.  La desmotivación del mundo y el imperio de la razón han dado lugar a que el arte no pueda manifestarse tan claramente como la realización del genio intemporal que en tiempos fue."

Inteligencias múltiples

http://www.rtve.es/television/20111209/inteligencias-multiples-educacion-personalizada/480968.shtml

El video nos habla de la obligada revolución a la que esta destinada el mundo de la enseñanza gracias a lo que se sabe sobre los tipos de inteligencia, los estilos de aprendizaje y la gran gama de posibilidades tecnológicas que existen. Se propone una educación centralizada en el alumno basada en las potencialidades de este, para sacar el máximo partido de la persona, y para ello propone tener en cuenta todos sus tipos de inteligencia: lingüística, lógico-matemática, espacial, musical, corporal cinestésica, intrapersonal, interpersonal y naturalista. Y no solo a las dos primeras. Sin embargo discrepo en ese punto porque pienso que en el colegio se hace más incapié en estas dos por la única razón de que estas necesitan de un guía explícito que sustituya la labor de los padres que trabajan, y que las demás inteligencias se desarrollan en el niño de forma natural a lo largo de todo el día, y no sólo en las cinco horas lectivas donde se complementan incluso con las otras al estar el alumno expuesto a la interacción con sus compañeros, por ejemplo, siendo esta la mejor forma de trabajar la inteligencia interpersonal.

Aun así no digo que no sea útil hacer una evaluación más completa y profunda de las capacidades del alumno y utilizar las nuevas herramientas disponibles para hacer de las clases sesiones de aprendizaje interactivo, que por lo que sabes es la mejor forma de mantener motivado al niño.

Pero lo más interesante del video es sin duda comparar las ideas que aporta sobre el “utópico” estilo de enseñanza con los pesados bloques en los que está estructurado el sistema de nuestro grado universitario.