Brett Amory toma fotografías en la carretera que luego utiliza como modelos para sus pinturas. Esta serie en particular se titula “Esperando“, la cual recoge un trabajo de varios años. Las escenas que vemos son como recuerdos borrosos y vagos, escenas que desaparecen y en las que uno no se puede introducir, son poco tangibles, y esa es la idea. Parecen estar lejos, tanto para uno como para el que espera, a pesar de que está inserto en ella.
Quienes esperan están en un constante estado de desilusión y decepción, buscan atención pero no la consiguen, así que continúan esperando. La serie muestra el anhelo del individuo urbano de una presencia propia y la aparente imposibilidad de obtenerla. Los vemos transitando inmersos en un estado silencioso y esperanzado, o bien en una angustia nacida de la anticipación incumplida. El trabajo que realiza me parece realmente admirable, me transmite, me tramsporta a la ciudad, soy un individuo más andando y pensando libremente sin una finalidad ni un destino determinado. Simplemente me encanta.
De acuerdo con las
leyes del karma, cada una de las sucesivas reencarnaciones quedaría
condicionada por los actos realizados envidas anteriores. Es una creencia central en las doctrinas delbudismo
Estas cartas pertenecen al palo de la
llama.
La mujer representa el fuego que
cuando se apaga se reencarna en
animales, el alma, después de la muerte, se separa del cuerpo, en este
caso la consumición de las ascuas y toma
otro cuerpo para continuar otra vida mortal.
En Bali (indias orientales)donde el
hinduismo es la religión predominante, se cree que el individuo se reencarna
una y otra vez
Creen que hay tres almas, el principio
vital (inosa), el intelectual (angga) y el elemento divino (tanoana), siendo
este último el que abandona el cuerpo durante el sueño, para desplazarse, y
teniendo la misma naturaleza que muchos animales y plantas.
En la visita que realizamos como salida de campo al centro José Guerrero pudimos ver la exposición temporal de Manuel Rivera y la exposición fija de José Guerrero, ambos Granadinos. Pudimos visualizar la exposición colocada en línea paralela al tiempo. Vimos los primeros cuadros hasta llegar a las obras más personales donde toca la abstracción. El impacto que crea las obra de este autor en el espectador es agradable. Durante la visita fuimos comentando cada obra, sobre todo lo que cada una veía. En sus primeras obras podíamos apreciar claramente el juego de luces y las diferentes cargas matéricas para dar sensación de profundidad. A medida que íbamos visitando la exposición íbamos observando los cambios que realizaba, su progreso. En sus últimas obras, las luces eran más tenues, jugaba con los planos , trabajaba con las texturas , redujo la paleta, representación de figuras planas y captaba el movimiento(dinamismo). Sus obras nunca llegaron a ser abtracta del todo por el motivo de que él mismo las titulo, como por ejemplo “Albaicín”. Toda su pintura parte de una realidad.
Uno de los referentes para Manuel Rivera era Benjamín Palencia (Nació en Barrax (Albacete), en 1894. Se trasladó a Madrid en 1909 para formarse con Elías Tormo. Allí conoció a los artistas Bores, Dalí, Alberti, García Lorca, Cossío y Juan Ramón Jiménez; más tarde, a Picasso y Miró en París. Junto a Alberto Sánchez, fundó la Escuela de Vallecas (1927). Realizó en Madrid su primera exposición individual (1928), en el Museo de Arte Moderno. En los años previos a la Guerra Civil colaboró con el grupo teatral La Barraca. Fue Primera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes (1943). Durante esta segunda época, realizó numerosas exposiciones tanto en España como en el extranjero. Formó parte de dos academias: de la de San Fernando (1974) y de la San Jorge de Barcelona (1978). Murió en Madrid, en 1980.)
Finalmente llega a la abstracción y perteneciendo al grupo artístico informalismo. El lenguaje informalista era un lenguaje abstracto en el que primaba los materiales como elementos fundamentales de la obra. En la segunda sala de la exposición observamos un cambio radical en las obra, pues el material base no era la pintura si no que el construía pinturas casi con malas metálicas. Cambio radical de material, la malla metálica y el alambre como sustento principal. Finalmente alcanza un estilo personal con este material. En esta sala podemos distinguir tres grupos d obra. Trabajaba colocando la maya sobre el fondo, para posteriormente ser fijada al propio marco. Esta obra estaba diseñada para colocarla sin fondo a cierta distancia de la pared con unos soportes, creando el hueco y sobre todo la sombre, elemento importante en el eresto de sus obras. A medida que va experimentando va realizando obras más complejas. Superpone diferentes mayas uniéndolas mediante puntos y soportes quedando un efecto de dos mayas paralelas creando profundidad. Trabaja como por capas, como creando diferentes volúmenes y profundidades siempre con la presencia de hueco y la sobre, juego fundamental. Son obra de gran fuerza y sobre todo de gran complejidad, nunca había visto algo tan original hasta el momento. Estas obras son muy curiosas, están tan bien pensadas que el espectador se introduce en sus planos. En estas obras no tenia referente sino simplemente el mismo investigaba y trabajaba hasta llegar a esos resultados. Una anécdota que nos contaron fue que Oteiza le comento la idea del vacio, dándose cuenta de que el vacio forma parte del cuadro, forma parte de la composición. Su intención era la entrada y salida del espectador por el cuadro. Creaba volúmenes con la superposición de mayas y diferentes matices en las sombras.
Personalmente creo que era un gran composición y muy original por la idea del hueco, el espacio oculto. Finalmente visionamos la exposición de José Guerrero donde encontramos unos lienzos de gran tamaño. El mayor referente de Guerrero era Matisse. Sus primeras obra al igual que M.Rivera eran figurativos, encaminándose a la abstracción. Prestaba especial interés en el color.
Creo que la existencia de una guía para seguir me
parece para lo que consideramos arte
algo contradictorio. Pienso que la evaluación de por medio de la nota es algo
de guía porque medir la inteligencia es algo es algo problemático en especial
cuando no hay consenso de cómo definirla. Al igual que la capacidad, es tan
subjetivo. Es más pienso que todos los conocimientos que estamos adquiriendo no
florecerán de inmediato, a no ser que haya verdadero interés. Sin interés y sin
persistencia no hay nada. Independientemente de todo he de decir que este nuevo
sistema me parece algo absurdo , sobre todo el tema de la asistencia
obligatoria. Una persona ya mayor de edad (considera la plena capacidad de
obrar de la persona que consta en alcanzar una edad cronológica establecida) se
supone que esta capacitada para saber que quiere. Si te matriculas en una
facultad será porque te interesa, porque quieres aprende. No hace falta obligar
a asistir. Se supone que por ti mismo,
elijes si disfrutas de tu aprendizaje, o no .Sin ninguna presión
que te obligue a doblegarte al sistema.
Por otra parte entiendo la necesidad de esta guía, es una
forma de organizar. Pienso que este sistema no es tan malo ni tan bueno, estoy
seguro que un día se asentara.
Y por ultimo la
forma de enfocar las competencias de los alumnos tanto desde el punto de vista
del análisis de los conocimientos, las habilidades y las actitudes me parecen todas ellas una
perfecta manera. En primer lugar, motivarnos a todos a desarrollar un espíritu
crítico, tanto personal como general, y, por otra parte, aprender a realizar un
análisis constructivo como base para el entendimiento de la realidad artística.
Ellen Von Unwerth es una fotografa la cual sigo su trabajo de cerca, inspira mi propia obra. Me gusta mucho su obra por la utilizacion de cliche de Lolita. Lolita es el personaje principal del libro con el mismo nombre que escribió Vladimir Nabokov. Lolita era una adolescente que seduce a un adulto a un profesor, pero no viene al caso, que alquila una habitacion en su casa. Cabe preguntarse si Lolita es una novela de amor, en cualquier caso está considerada como novela erótica. Los conceptos moralesprovenientes del concepto de "perversión", suministrados por los enfoques psicopatológicos, permiten dudar de que esta sea propiamente una novela de amor.
Ellen von Unwerth es una directora y fotógrafa alemana (nacida en 1954 en Francfort), especializada en feminidad erótica. Trabajó como modelo de moda durante diez años antes de ponerse detrás de la cámara, y ahora hace fotografía de moda, editorial y publicidad.
Para introducir pondré la biografía de de Markus Lupertz a pesar de que podemos encontrarla fácilmente en cualquier rincón de internet.
Markus Lüpertz nació en Liberec/ Reichenber (Bohemia), en 1941, ocupada entonces por el ejercito nazi y actualmente República Checa. Tras la guerra, se trasladó a Alemania con su familia, donde inició su formación artística en la Escuela de Artes Industriales de Krefeld, siendo alumno de Laurens Goosens, y más tarde en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, hasta 1961. En 1962 se trasladó a Berlín donde comenzó a interesarse por la historia del arte europeo y fue desarrollando su propio universo de imágenes que derivó en su llamada "Pintura ditirámbica" palabra que nos remonta al canto y danza frenética que se organizaba en la antigua Grecia en honor a Dionisio.
En 1964 fundó la galería Goagorschen 35 en Berlín y dos años después publicó el "Manifiesto ditirámbico", en el que intentó definir la celebración exaltada de la fusión del hombre con la naturaleza.
En la década de los 70, junto con Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Karl Horst Hödicke, A.R.Penck, Jörg Immendorf, entre otros, forma parte del movimiento Neoexpresionista alemán o los Nuevos Salvajes (Die Neue Wilden); un grupo heterogéneo que promueve un retorno al lienzo, al gesto y a la expresividad de la pintura.
En esa época rompe con el tabú germánico, al abordar la guerra y los mitos arios en naturalezas muertas con mensajes metafóricos “Cascos hundiéndose”, y la serie de pinturas en “ negro, rojo, oro “, los colores de la bandera.
A partir de los 80, experimenta con el volumen y la escultura en bronce policromado, tallas distorsionadas de la figura humana. Al insistir en lo figurativo no pretende aprehender la realidad sino abstraer su esencia.
En el video que visionamos en clase y por lo demás que me he documentado Markus pinta con mucha fuerza e impulsivamente, lo cual es sinónimo de pasión, pasión por su trabajo, por su labor. El proceso de su obra es algo que no tiene un previo boceto o análisis. Su obra denota al espectador una capacidad fácil, desinteresada.
El vídeo comienza con la entrada del pintor en su estudio el primer día de grabación. Con brochas de gran tamaño y empapadas de pintura, comienza enérgicamente haciendo un fondo que luego va transformando hasta desaparecer.
Pinta compulsivamente, rehaciéndose constantemente sobre lo ya pintado, buscando la inspiración en el momento, sobre lo que le va sugiriendo su propia pintura. El segundo día de grabación retoma los lienzos. Da capas de pintura una y otra vez , modificando, reiniciando o retocando las partes que le interesan del lienzo.
Para Markus, el ser académico y tener una técnica realista o formalista, le hace sentir condicionado, y cree que no por ello se es menos válido, el tiene su lenguaje propio. Para este pintor lo vital es experimentar, divertirse y no repetirse despertando la curiosidad en cada nueva obra que acomete. Clase magistral de la pasión que uno debe sentir por lo que hace, por encima de la razón, buscando el lenguaje que nos permita transmitir aquello que deseamos, y nos facilite la comunicación con nuestro interior. Pienso que el lenguaje debe ser una vía, un medio para comunicarnos con nuestro propio ser, primero hacia dentro, para que luego nos permita poder exteriorizar nuestro “Yo”. No todo en la vida es materia, en ocasiones nos olvidamos de la esencia.
Pienso que el artista parte de una intención y a lo largo del proceso creativo, la obra va creciendo con esa intención entrelazándose con contenidos inconscientes. Esto lo podemos apreciar en la forma de trabajar de Markus. Crea, compone, borra, superpone, corrige, retinta …le va dando forma a siu obra hasta que finalmente crea su obra. La abstracción que representa lo universal, y partiendo de un nuevo horizonte, vuelven a surgir las formas, y todo comienza de cero.
Por este motivo, él artista nunca puede ser el mejor intérprete de su propia obra, y que es necesaria la contemplación desde el distanciamiento personal.
domingo, 18 de marzo de 2012
Mariano Fernández Cornejo. Siempre a la vista.
TÍTULO: Axcarquía 2
TÉCNICA: Acrílico sobre tabla
MEDIDAS: 20 x 20 cms
TÍTULO: Axcarquía 2
TÉCNICA: Acrílico sobre tabla
MEDIDAS: 20 x 20 cms
Pintar es enfrentarse de tú a tú, con valentía, sacando a flote la inocencia, buscando caminos sin transitar, escogiendo la oculta vereda sin saber qué encontrar, pero sabiendo que el silencio reconforta y anima a seguir el camino sin término, encontrando en el viaje «esquemas-apariencias», pero sabiendo ver nuevas esencias olvidadas.
La sugerencia de las formas se interpreta por cada cual, subjetivamente, rellenando y acoplando la imagen al puzzle mental individual, clasificando, referenciando las viejas formas con las nuevas apariencias, sólo le cabe al artista el mérito de hacerlas patentes, evidentes, visibles al fin, y esa visión es única.
El creador llega a ser un mago que crea apariencias apetecibles en soledad, deleitándose con cada encuentro, creando nuevas técnicas de expresión plásticas, nuevos estilos que desea dar a conocer. Por eso es por lo que el artista se ve obligado a exponer y defender su obra y su punto de vista.
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